Живопись по штукатурке: лучшие средневековые традиции в условиях современного мира

Живопись по штукатурке: лучшие средневековые традиции в условиях современного мира — Отделка

Обычно, когда произносят словосочетание «Средние века», перед глазами встают мрачные готические замки, все темное, запущенное, унылое… Это стереотип, который почему-то выработался в сознании людей. Живопись данного периода доказывает обратное – она не только не уныла, но и очень колоритна.

Искусство Средневековья: особенности и тенденции

Средневековье представляет собой период с пятого по семнадцатый век. Сам термин возник в Италии; считалось, что время это являлось культурным упадком, Средние века постоянно сравнивали с Античностью – и сравнение было не в пользу первых.

Особенностей искусства Средневековья несколько, и все они тесно связаны с господствовавшими в то время в обществе устоями и традициями.

Так, сильны были церковь и религиозные догмы – именно поэтому религия стала чем-то обыденным для тогдашней культуры.

Обратите внимание

Эпоху принято подразделять на несколько периодов: раннее Средневековье (до одиннадцатого века), развитое (до пятнадцатого) и позднее (до семнадцатого века). Каждый из этих промежутков, опять же, имеет свои тенденции.

Как пример – раннее Средневековье отличалось полным отказом от античных традиций, скульптура канула в небытие, процветало деревянное зодчество и так называемый звериный стиль. Человека, как правило, не изображали, а искусство было «варварским».

Особое внимание уделялось цвету.

Развитое Средневековье, напротив, концентрировалось на прикладном искусстве – в моде были ковры, литье, книжные миниатюры.

Вообще же, общепринятой считается следующая периодизация искусства Средневековья: кельтское, раннехристианское, искусство периода переселения народов, византийское, дороманское, романское искусство и готическое. Далее более подробно остановимся на жанрах, стилях, приемах и сюжетах средневековой живописи. Вспомним и знаменитых мастеров.

Живопись эпохи Средневековья

В разные периоды Средневековья на первый план выступали разные виды искусства – то скульптура, то архитектура. Нельзя сказать при этом, что живопись оставалась в стороне.

С течением времени и под влиянием изменений в обществе менялась и она, вследствие чего картины становились более реалистичными, а у художников появлялись новые приемы, темы и перспективы для творчества.

Так, например, несмотря на то что тенденция к написанию полотен религиозной тематики оставалась популярной в средневековой живописи любого периода (впрочем, после тринадцатого века она начала встречаться гораздо реже), с повышением образованности стали более распространенными так называемые светские картины – бытового содержания, отражающие простую жизнь обычных людей (в том числе знати, разумеется). Так возникла реалистичная живопись, нехарактерная для эпохи раннего Средневековья. На картинах стали изображать не духовный, а материальный мир.

Появилась и настенная живопись, а также мозаика, которыми украшали внешние и внутренние стены церквей – это за это следовало благодарить орден францисканцев, для которого строилось большое количество подобных сооружений.

Все это произошло уже после тринадцатого века – прежде живописи не уделялось столь пристального внимания, она играла скорее второстепенную роль, не считалась чем-то важным. Картины не писали – их «малевали», а это слово полностью отражает отношение к данному виду искусства в тот временной промежуток.

С расцветом живописи Средневековья пришло понимание того, что написание художественных полотен — это удел тех, кто по-настоящему умеет и любит данное ремесло. Картины перестали «малевать», более к их созданию не относились как к увеселительному времяпрепровождению, доступному каждому.

Важно

Характерно, что многие художники Средневековья не подписывали свои работы – это было для них обычным ремеслом, таким же, как производство булочек для пекаря.

Зато живописцы того периода старались придерживаться негласных правил: эмоционально воздействовать на того, кто будет смотреть на полотно; игнорировать реальные размеры – для придания большего эффекта; изображать разные временные промежутки с одним и тем же героем на картине.

Иконопись

Иконопись была главным видом искусства в раннем Средневековье. Эти картины, вернее, иконы, считались своеобразной проповедью, которая поучает без слов.

Это была доступная всем и каждому связь с Богом, ведь многие люди в то время были неграмотными, а значит, не могли читать тексты молитв и вообще любые церковные книги. Иконы доносили до простых обывателей, что не могла донести бумага.

Характерной особенностью иконописи стала деформация туловища – это делалось для того, чтобы оказать большее эмоциональное впечатление на зрителей.

Византийское искусство

Говоря о культуре Средневековья, нельзя не сказать хотя бы пары слов о живописи в Византии в Средние века. Это было единственное место, где оставались верны старым добрым традициям эллинистического искусства.

Византийская культура ухитрялась гармонично соединять зрелищность и спиритуализм («дух превыше тела»), который пришел к ней с Востока.

Под влиянием Византии впоследствии формировались и культуры многих других стран – в частности, России.

На полотнах, как правило, в полный рост изображались человеческие фигуры – в центре Иисус Христос или Богоматерь, различные святые, за ними и рядом – остальное их окружение. Если необходимо было показать отрицательных героев (того же Иуду), то их писали в профиль. Особенностью изображения персонажей на картинах была их схематичность вкупе со значительностью.

Они словно «приобрели вес», но при этом стали плоскостными. Перспективы на картинах византийских художников также обнаружиться нельзя.

Зато византийцы очень трепетно следовали одному из правил средневековой живописи – все фигуры, которые присутствовали на их полотнах, для большей наглядности изображены отнюдь не в реальных размерах и с нарушением пропорций: то с очень крупной головой и огромными глазами, то с удлиненной шеей и вытянутым туловищем, то с отсутствием конечностей и так далее. Характерно, что с натуры художники не писали. Среди преобладающих сюжетов в византийской живописи можно выделить распятую на кресте фигуру – символ страданий, фигуру женщины с раскинутыми руками – символ матери, фигуру с нимбом – символ святости, фигуру ангела с крыльями – символ чистоты и непорочности.

Стили

Основным стилем живописи в начале Средневековья в Западной Европе принято считать романский. Чуть позже появился готический стиль. Однако до появления и того и другого живопись все равно существовала. Как уже упоминалось выше, это было так называемое варварское искусство, имевшее мало общего с культурой античных времен.

Люди боялись природы, обожествляли ее, что нашло отражение и в живописи – изображений природы, как и человека, в искусстве раннего Средневековья крайне мало. В основном популярностью пользовался орнамент, где и проявлялся уже упомянутый «звериный» стиль.

Так продолжалось вплоть до восьмого века, когда постепенно в орнамент стали вплетаться изображения Христа и человеческой фигуры в принципе.

Совет

Основными тенденциями, по которым сразу можно отличить романский стиль, были узкие окна в зданиях, старинная фреска и витражи – яркие пятна на темных стенах. Архитектура романского стиля считалась мрачной, витражи были призваны «оживить» ее.

Чаще всего они изображали сюжеты из жития святых, гораздо реже – быт простых людей. То же самое прослеживалось и в живописи.

Тринадцатый век стал периодом расцвета готического стиля. Произошло это благодаря переменам в обществе, роль религии уменьшалась, а «светскости», наоборот, росла.

Произведения тогдашних мастеров изображали придворный быт — изящный, утонченный и далекий от реальности, с тщательно прописанными мелкими деталями. От этих полотен веяло величием, элегантностью, а такое пристальное внимание к деталям давало ощущение завершенности картины, чего не было раньше.

Очень популярным в то время было создание миниатюр, которое берет начало во Франции. Оно отличается появлением новых реалистичных деталей – например, различных животных, насекомых или птиц. Плавные легкие линии, мягкость в изображении черт лица – все это характерно для искусства того периода.

Приемы

В эпоху раннего Средневековья не знали, что такое перспектива. Если взглянуть на картины того периода, можно увидеть, что персонажи все будто выстроены в одну линию.

Для того чтобы подчеркнуть главенство какой-то фигуры над остальными, живописцы просто-напросто делали ее большей по размеру (иногда – значительно большей).

Обратите внимание

Такой прием позволял уловить, «кто в доме хозяин», однако лишал возможности уделить внимание второстепенным вещам. Именно поэтому живопись раннего Средневековья схематична.

Чуть позже стали разрабатывать и перспективу – под влиянием возникшей необходимости реальной передачи вещей и объемов. В течение долгих лет мастера обучались этой технике, которая более-менее сложилась к эпохе господства готического стиля.

Сюжеты

Как уже не раз упоминалось, основной тематикой живописи Средневековья была религия. Часто изображались Рождество Христово, Мадонна с младенцем Христом, распятие Христа. Помимо этого, пользовались популярностью мрачные сюжеты о грядущей каре человечества, наступающем Апокалипсисе, фантастические мотивы.

Итальянцы

Итальянская культура оказала большое влияние на искусство Средневековья в целом. В романскую эпоху в Италии господствовала архитектура, преимущественно из камня и дерева. Она была простой, тяжелой и очень прочной. С наступлением готического периода живопись в Италии вышла на первый план.

Она сильно отличалась от византийской – во многом благодаря стараниям известного мастера Джотто ди Бондоне. Он стал основателем итальянской школы живописи, предложив абсолютно новый способ изображения пространства. Его считали учителем многие выдающиеся художники, в том числе и Леонардо да Винчи.

Люди, изображенные Джотто, настолько реалистичны, что кажутся живыми – до него такого никому не удавалось.

После пятнадцатого века итальянская живопись Средневековья переживает настоящий расцвет. Появились такие знаменитые мастера, как Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Рафаэль Санти и многие другие.

Источник: http://ko-2.ru/dizajn/zhivopis-po-shtukaturke-luchshie-srednevekovye-traditsii-v-usloviyah-sovremennogo-mira.html

Средневековая живопись

  В эпоху средневековья живопись стала одним из главнейших видов искусств. Перемены в жизни общества и новые технические приемы дали художникам возможность создавать реалистичные, пронизанные глубоким гуманизмом произведения, которым было суждено совершить подлинную революцию в западноевропейском искусстве.

  На закате романской эпохи живописи отводилась второстепенная роль малярства. Но с приходом XIII столетия началось стремительное развитие европейской цивилизации, открывшее перед художниками новые перспективы.

Дворцы и замки высшей знати украшались с невиданным ранее великолепием, бурно разрастались Париж, Прага, Лондон, города Италии и Фландрии. Все новых полотен — поначалу лишь на религиозные сюжеты — жаждали не только аристократы и служители церкви, но и зажиточные горожане.

С распространением грамотности возрастал и спрос на литературу светского содержания. Лучшие образцы книжного искусства, богато оформленные миниатюрами, предназначались для королей и князей и создавались не только в монастырях, но и профессиональными художниками, имевшими собственные мастерские.

Несмотря на довольно низкое общественное положение при жизни, имена многих художников и их биографии стали достоянием истории.

Новые возможности

  Новому отношению к живописи содействовал и целый ряд религиозных нововведений. В начале XIII века церковные алтари украсил запрестольный образ, на фоне которого велись богослужения. Он нередко состоял из двух (диптих), трех (триптих) и более створок, но описывал единую группу персонажей или сцену.

Особой популярностью пользовалось изображение донатора (особы, оплатившей изготовление алтарного образа и пожертвовавшей его церкви), которого его святой покровитель представляет Мадонне.

Ставя перед художником сложные творческие задачи, алтарный образ в то же время открывал новые широкие возможности для самовыражения при оформлении алтарного пространства, которому надлежало стать предметом главного внимания и религиозных чувств паствы.

Важно

  Наступил и расцвет настенной живописи — отчасти в результате усиления основанного св. Франциском Ассизским ордена францисканцев, для которого строилось все большее количество церквей. Наиболее подходящим способом их украшения оказалась живопись, так как создание мозаики либо требовало много времени, либо считалось непозволительной роскошью для ордена, исповедовавшего бедность и смирение.

  Сильное влияние на дальнейшую судьбу живописи оказала жизнь и деятельность самого св. Франциска Ассизского (1182-1226).

Искренняя любовь святого к миру живой природы помогла его современникам   осознать   красоту  земного бытия, и с XIII века в средневековой живописи доминировал новый взгляд на мир.

Отныне художники, не отказываясь от религиозной тематики, с явным удовольствием изображали материальный мир и творили в новой реалистичной и гуманистической манере.

  Поклонение глубоко человечному образу Мадонны также оказало мощное гуманистическое влияние на религию, а через нее и на искусство, где эти сюжеты постоянно использовались.

Итальянские мастера

  Многие из тенденций гораздо раньше зародились в Италии, нежели в других странах Европы.

Двое мастеров конца XIII века — Чимабуэ и Дуччо — считаются обще признанными основателями традиции зримого реализма в живописи, которой было суждено доминировать в европейском искусстве вплоть до XX столетия. Оба оставили потомкам знаменитые алтарные образы, где главными персонажами выступают Мадонна с младенцем.

  В скором времени обоих живописцев затмил их младший современник Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337). Он первым из великих флорентийских мастеров снискал прижизненную славу, добившись почета и богатства. Однако он настолько опередил свое время, что многие его новации были поняты и приняты собратьями по кисти лишь спустя добрую сотню лет.

Совет

Его герои из плоти и крови твердо стоят на земле, но при этом как бы способны двигаться и существовать в своем природном или архитектурном окружении и пространстве с некоторым намеком на глубину. Но прежде всего перед нами живые люди, обладающие глубокими чувствами и эмоциями.

Удивительное мастерство передачи всех оттенков человеческих переживаний сделало Джотто великим драматическим художником.

Фрески

  Создавая свои панно, Джотто применял изобретенную к тому времени итальянцами технику фресковой живописи. Сегодня мы называем фресками как созданные в этой технике картины, так и вообще любую настенную живопись.

Но подлинная фреска — это всегда роспись поверх свежей, еще влажной штукатурки, служащей грунтом для слоя краски. Само итальянское слово «fresco» означает «свежий». За один сеанс расписывался красками лишь тот участок стены, который мастер успевал заполнить по еще не подсохшей штукатурке.

Здесь решающую роль играл фактор времени, ибо пигменты, нанесенные на влажный слой штукатурки, вступали с ней в химическую реакцию, образуя стойкие соединения. Высохшая фреска не шелушилась и не осыпалась, сохраняя на долгие века первозданную красоту и яркость красок.

Благодаря этому колоссальному техническому прорыву спустя годы были созданы величайшие шедевры фресковой живописи, в том числе росписи Сикстинской капеллы в Ватикане кисти Микеланджело.

  Придание глубины

  Мастерам, впервые столкнувшимся с этой задачей, было непросто создать иллюзию реальности изображаемой сцены.

Здесь требовались не только точная передача внешних очертаний, но и придание фигурам объемности реальных тел, а плоской поверхности картины — ощущения глубины, чтобы пейзаж как бы терялся вдали (речь идет об искусстве перспективы).

Не одно поколение итальянских художников оттачивало эту технику, нередко отвлекаясь на решение таких задач, как создание декоративных орнаментов. Ту же проблему приходилось решать и мастерам остальной Европы, в разное время испытывавшим мощное влияние итальянского искусства.

К концу XIV века живописцы, работавшие при дворах европейских владык, создали более или менее единый стиль живописи, который часто называют международной готикой.

Отражая утонченную, далекую от реальной жизни атмосферу придворного быта, их произведения отличались скорее изысканностью и утонченностью, нежели внутренней силой.

Персонажам придавались изящные позы, и хотя перспектива зачастую обозначалась лишь намеком, мельчайшие детали антуража выписывались с ювелирной точностью.

Обратите внимание

  Все эти черты с особой яркостью проявлялись в украшенных миниатюрами манускриптах, изготовленных по заказу владетельных семейств.

Известнейшими мастерами этого жанра были Поль Лимбург и двое его братьев, которые, проработав всего 16 лет (1400-16), внезапно исчезли с исторической сцены.

Их покровителем и заказчиком был выдающийся коллекционер и ценитель произведений искусства той эпохи герцог Жан Беррийский, младший брат французского короля Карла V. Его имя прославила книга, вошедшая в историю под названием «Великолепный часослов герцога Беррийского».

Лимбурги, братья (Поль, Эрманн и Жеаннекен). «Роскошный Часослов герцога Жана Беррийского. Месяц январь. Фрагмент»

  «Часослов» обязан своей славой превосходным миниатюрам, созданным для него братьями Лимбургами. Данное произведение, ставшее подлинным венцом их творчества, осталось в 1416 г. незавершенным, но до нас дошли 12 знаменитых миниатюр на тему времен года. На них изображены сцены сева, жатвы или охоты, приуроченные к тому или иному сезону.

Появление масляных красок

  В 1430-х гг. в тогдашней Фландрии, принадлежавшей герцогу Бургундскому (нынешние Бельгия и Нидерланды), начал развиваться совершенно новый стиль живописи. Подобно Италии, Фландрия была краем процветающих городов.

Именно этому факту многие приписывают реалистичный, лишенный подчеркнутого аристократизма стиль местного искусства. И так же, как в Италии, расцвету фламандской живописи способствовало важнейшее техническое нововведение — масляные краски.

Растертые с растительным маслом пигменты значительно превосходили по яркости преобладавшую тогда в живописи темперу, основой которой служил быстро сохнущий яичный желток.

И если писать темперой и создавать фрески надо было быстро, не вдаваясь в мелкие детали, то масляные краски можно было накладывать слой за слоем, добиваясь удивительных живописных эффектов. С тех пор любой художник, стремившийся к совершенству, неизменно отдавал предпочтение масляной живописи.

Фламандская школа

  Основателем фламандской живописной школы был Робер Кампен, но самые известные ее представители принадлежат к следующему поколению. Первым из великих мастеров европейской масляной живописи стал непревзойденный портретист Ян ван Эйк (ок. 1390-1441). С помощью масляных красок он добивался великолепной передачи игры света и тени на различных предметах.

Портрет четы Арнольфини, Ян Ван Эйк

  Необычайно одаренным художником был и его младший современник Рогир ван дер Вейден (ок. 1399-1464). Не столь заботясь о деталях, как ван Эйк, он предпочитал богатые яркие цвета, четкие контуры и тонкое моделирование объемов, создав собственный неповторимый стиль, способный передавать широкий спектр эмоций — от безмятежного спокойствия до безграничной скорби.

Изабелла Бургундская, Рогиг ван Дер Вейден

  Фламандская школа дала искусству не одно поколение блестящих мастеров живописи, и в течение всего XV века многие присущие ей черты перенимались художниками всей Европы. Только с 1500 года на смену им пришло новое течение, исподволь набиравшее силу за Альпийскими хребтами — итальянское Возрождение.

Источник: http://middleages.umi.ru/razdely/gorodskaya_srednevekovaya_kul_tura/srednevekovaya_zhivopis/

Средневековая живопись

Тенденции и веяния в живописи средних веков.

Маэстра. Симоне Мартини.

Введение

Средневековое искусство охватывает период приблизительно с 1180 по 1420 годы.

Господствующим стилем этого времени была готика. Это был переходный период для изобразительного искусства и скульптуры, в течение которого произошли изменения в идеологии и культуре.

Средневековые художники постепенно стали отходить от жестких правил и каноничности романской живописи в сторону реалистичного представления мира, желания создавать эффект объема в картинах.

Это стремление, в конечном итоге, привело к возникновению искусства эпохи Возрождения.

Общие тенденции

Искусство этого периода, хотя и было разнообразно по стилю, характеризуется несколькими общими тенденциями.

В это время большинство художественных работ имело религиозное назначение, поэтому христианское искусство было доминирующим направлением.

Многие картины, диптихи, триптихи и скульптуры средневековья разрабатывались для церковных алтарей и с учетом конкретных особенностей храмовых интерьеров.

Важным элементом создания религиозных образов была дополнительная декорация произведений искусства. Элементы полотен могли быть созданы из золота или других драгоценных материалов.

Плоды доброго правления. Лоренцетти.

Большая реалистичность скульптурным изображениям придавалась благодаря использованию сложной драпировки в композиционных решениях. Фигуры людей в готической скульптуре больше не были похожи на кукол, а их позы стали более естественными.

Во французской и нидерландской живописи XIV и XV веков набирает популярность техника, которая создавала у зрителя ощущение присутствия благодаря использованию светотени и особой картинной рамы.

Новые Меценаты

Художественные изменения во время Средневековья были вызваны быстро меняющимися социальными условиями. Развитие торговля привело к тому, что богатые горожане и торговцы могли приобретать себе произведения искусства. К началу XV века многие бюргеры имели коллекции картин.

Городские власти поддерживали изобразительное искусство, поручая известным мастерам создание запрестольных образов для алтарей и церквей.

Аллегория доброго правления. Лоренцетти.

Важно

В отличие от художников более позднего времени, мастера Средневековья принадлежали к цеху ремесленников, что определяло анонимность созданных ими произведений искусства. Поэтому история искусства Средневековья сохранила немного имен живописцев, скульпторов и архитекторов эпохи.

За исключением картин таких художников как, например, Симоне Мартини, Лорецетти, Джотто, большинство работ осталось без авторской подписи. Но даже известные мастера старались сохранить свою анонимность, что подтверждают современные исследования ряда полотен.

Движение в сторону реализма

Точное время перехода к реализму в искусстве Средних веков невозможно обозначить. Инновации, созданные в ряде в искусстве ряда европейских стран, долгое время могли никак не быть обозначены в других национальных культурах. Тем не менее, можно утверждать, что в зарождение раннего Ренессанса внесли вклад работы, сделанные еще на рубеже XIII века.

Одним из первых картины с элементами реализма стал писать итальянский художник Чимабуэ (1240–1302), который передавал глубину изображения при помощи насыщенных красок и световых контрастов.

Международная готика

Элегантная и утонченная манера живописи развивалась, в основном, благодаря достижениям итальянских мастеров. Их техника характеризовалась использованием плавных линий, сложных контуров тела, мягкого выражения лиц изображаемых людей.

Начало XV века — период явного прогресса в направлении реализма в изобразительном искусстве, что характерно также для литературы и скульптуры. Художники демонстрируют интерес к деталям, что придает композиции цельность и завершенность. Это время в европейском искусстве характеризуется как период Возрождения.

Источник: https://artrue.ru/articles/srednevekovaya-zhivopis.html

Живопись

Живописных памятников древнеримской культуры сохранилось больше, чем древнегреческих (этих оригиналов больше осталось в прикладной живописи). Монументальная живопись возникла в период формирования полисной системы, когда начался общий процесс монументализации всего искусства.

К достижениям греческой живописи следует отенести отказ от плоскостного изображения (особенно в декоративных росписях), развитие игры светотени, что лучше всего проявилось в творчестве Апеллеса, Эвфранора и др., создание теоретических книг по живописи как искусству (Апеллес изложил правила живописи, основопологающие по сей день).

К достижениям римской живописи следует отнести применение художественных средств греческого искусства, в дальнейшем усовершенствовании настенной и пейзажной живописи.

От античности Средневековье позаимствовало мозаичную роспись, используемую при оформлении церквей.

По сравнению с архитектурой и скульптурой в эпоху Ренессанса на первый план выдвигается живопись.

Это объясняется стремлением мастеров достигнуть высоты античных идеалов: максимальное приближение к реальности и ее изображение через познание мира и человека, их красоты, богатства и разнообразия.

А у живописи в этом плане было больше возможностей. Опираясь на опыт античных художников, художники периода Ренессанса сделали свое великое открытие — перспективное изображение.

Совет

Эпоха Просвещения, вслед за Возрождением, ведущую роль отводила живописи, в которой отразился весь дух эпохи: сочетание античного, библейского и научного.

Обращение к античности идет через обращение к ее истории, мифам, литературе и их отражение в полотнах художников XVII-XVIII веков, в основном истрического или героического содержания.

Античная тема сыграла определяющую роль в творчестве многих художников этого периода, например, Пуссена, Рубенса, Веласкеса и др.

Художники-романтки XIX века часто в своих произведениях отталкивались от античности, выражая свои мысли и чувства через образы Греции и Рима. Особенно ярко это просматривается в творчестве Делакруа. Оживленность античности — особенность романтизма во всех видах искусства.

Влияние античной темы на художников XX века можно проследить на примере русской живописи.

Русские живописцы создают картины на античные сюжеты, не продолжая уже имеющийся опыт в этом плане, не иллюстрируя эти сюжеты, а заявляя новое слово в изобразительном искусстве: «через античные образы художники создают новых контекст их прочтения, наполняют античную тему новым, непредвиденным содержанием»11 Н.В. Мирецкая Прочтем, подумаем, поспорим: Книга для учителя, — М. — 2006, стр. 313. Это и Врубель, и Серов, и некоторые другие художники.

Живопись как искусство, несомненно, своей отправной точкой имеет античность: как античную живопись, мастерство античных художников, так и античный опыт в целом.

Читайте также:  Наливной пол: расход на 1 квадратный метр

Источник: http://cult.bobrodobro.ru/713

Американская живопись – 5 (реалистические традиции в 20 веке)

В 1913 году Ассоциацией американских художников и скульпторов была организована первая большая Международная выставка современного искусства, Арсенальная выставка (Armory Show), в помещении оружейных складов Национальной гвардии на Лексингтон-авеню.

Она стала важным событием в истории американского искусства, вызвала разные эмоции: удивление, восхищение, возмущение, поклонение и полное неприятие у американской публики, привыкшей к реализму, в какой-то мере к импрессионизму, но не к тому авангардному европейскому искусству, которое она увидела на этой выставке.

1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 современных европейских и американских художников побывали не только в Нью-Йорке, но и в Чикаго и Вашингтоне.

В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!»Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства.Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»*и его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников,и рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм).Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.

Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.

На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы.

В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.

Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.

Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.

Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».

Обратите внимание

Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии. Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.

Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.

Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.

В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».

Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность.

И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.

Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения.

Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.

Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры.

В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега,Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства.Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни.Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.

Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,

приобрел скандальную известность благодаря откровенным гомосексуальным мотивам в своих картинах и изображению обнаженных мужских фигур.Он родился в небогатой семье художника, отец поощрял занятия мальчика рисованием, в 14 лет он поступил на курсы при национальной академии дизайна, а затем и в Академию.

Он много путешествовал со своими друзьями, писал большие полотна, отображавшие его впечатления от Европы, рисовал многофигурные картины из жизни рыбаков, моряков, сцены городской жизни,а после знакомства с импресарио и балетоманом Кирстеном у Кадмуса появилось много работ на балетные темы, в основном изображавшие танцовщиков.

Пол Кадмус прожил долгую жизнь и умер в возрасте 95 лет на руках у своего друга и постоянной модели, который был с ним рядом на протяжении последних 35 лет жизни. Кадмус любил повторять слова Энгра: «Люди говорят, что мои картины не подходят этому времени. Возможно, они ошибаются, и я единственный кто идет со временем в ногу».

Айвен (Иван) Олбрайт (1897-1983), один из самых известных представителей магического реализма, родился со своим братом- близнецом в семье художника.

Важно

Братья большую часть своей жизни были неразлучны, оба учились в Чикагском институте искусств, брат Малвин стал скульптором, а Айвен – художником, но начинал как архитектор, а во время Первой мировой войны выполнял для больницы в Нанте медицинские рисунки.

Он всегда очень требовательно относился к своей работе, тщательно выписывая все детали и посвящая многие свои работы таким сложным темам, как жизнь и смерть, материальность и дух, воздействие времени на внешность и внутренний мир человека.

Такая работа требовала много времени и поэтому продажи были редкими, многие картины оставались в его собственности. Олбрайт изготовлял собственные краски и угли, был одержим освещением до такой степени, что носил черную одежду и покрасил свою студию в черный цвет, чтобы предотвратить блики.

Он писал в реалистичной, но преувеличенно детализированной манере, он любил наблюдать течения времени и написал более 20 автопортретов только в последние 3 года жизни, чтобы отразить изменения, происходящие в человеке.

Джордж Клер Тукер-младший (1920-2011), работы которого представляют направления соцреализма и магического реализма, родился в семье с англо-франко-испано-кубинскими и американскими корнями, по настоянию родителей изучал в Гарварде английскую литературу, но большую часть времени посвящал живописи.

После службы в морской пехоте, откуда был уволен из-за слабого здоровья, посещал курсы Лиги студентов-художников, много работал в технике яичной темперы, восхищался искусством времен итальянского Возрождения.

Картины Тукера изображают сцены повседневной американской жизни, человеческие фигуры на них часто не имеют определенной расовой и сексуальной принадлежности, выражают одиночество, изолированность и анонимность.

Он много внимания уделял соблюдению геометрических пропорций и симметрии, из-за этого очень медленно писал – не более двух картин в год. После его первой крупной выставки в 1951 году Тукер постоянно успешно выставлялся, его работы есть в крупнейших музеях Америки.

Петер Блуме (Питер Блюм) – (1906-1992), художник и скульптор, в работах которого есть элементы прецизионизма, пуризма, кубизма, сюрреализма и народного искусства. Он родился в России в еврейской семье, эмигрировавшей в Америку в 1912 году и поселившейся в Бруклине.

После изучения искусства в разных учебных заведениях он открыл собственную студию при покровительстве семьи Рокфеллера. Как и многие его современники-реалисты, он был поклонником Ренессанса, путешествовал по Италии, его первая картина, получившая признание в 1934 году — «Вечный город», в ней угадывается образ Муссолини, как чертик из коробки, выходящего из Колизея.

Его работы, часто изображающие разрушение, тем не менее могут быть истолкованы как символы восстановления и обновления после Второй мировой войны, об этом говорят камни, новые балки, фигурки работающих людей.

Художественный стиль Блуме представлял собой интересный гибрид разных художественных направлений американского и европейского искусства, его называют «художником сказочной повествовательности».

Эндрю Ньюэлл Уайет (1917-2009), представитель преимущественно регионалистического стиля в реализме, родился в семье художника-иллюстратора, внимательно относившегося к развитию талантов у своих пятерых детей, приучавшего их к хорошей литературе, музыке, изучению природы. Отец сам обучал дома своих детей, и все они были талантливы: художники, музыкант, композитор, изобретатель.

Совет

В их доме царила творческая обстановка, часто бывали знаменитости, такие как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд. Сам Уайет, как ни странно, считал себя абстракционистом, придавал большое значение осознанию глубинного смысла в простых объектах, любимыми темами его картин были земля и люди вокруг него.

Самая известная его картина «Мир Кристины» изображает девушку с соседней фермы, ставшую инвалидом после полиомиелита, одиноко ползущую к дому вдалеке.Одной женщине Хельге Тесторф было посвящено 247 картин и рисунков, он изучал ее в различных условиях и эмоциональных состояниях, что является уникальным опытом в американском искусстве.

Несмотря на то, что у Уайета много технически прекрасных произведений и у него было много последователей, искусство его считается спорным, а искусствовед Розенблюм охарактеризовал его как «самого переоцененного и недооцененного» художника.

Грант Вуд (1891-1942), один из самых известных представителей регионализма, родился в Айове, рано потерял отца, работал в магазине металлоизделий, учился в художественной школе, а потом в Чикагском художественном институте.

Молодой Грант 4 раза ездил в Европу для изучения живописных стилей, уделяя особое внимание импрессионизму и постимпрессионизму, но восхищался работами Ван Эйка и мечтал объединить в своем творчестве современные методы и ясность, четкость, глубину средневекового искусства.

Недаром самая знаменитая его картина называется «Американская готика», она отражает традиционный еще для 19 века взгляд на роли мужчины и женщины в Америке, картина была принята неоднозначно, некоторые считали ее карикатурой, а газеты пародировали ее на разные лады.

Позже, преподавая живопись в Университете Айовы, Вуд становится ключевой фигурой культурного общества университета, но из-за слухов о его гомосексуальной связи со своим личным секретарем Вуд был уволен и вскоре умер от рака поджелудочной железы.

Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков, его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс. Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство, мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго, а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.

Вернувшись в Америку, продолжая рисовать, он служил во время Первой мировой войны в ВМС США, работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей, что требовало реалистического документального изображения и повлияло в дальнейшем на его стиль.

Читайте также:  Технология покраски мдф: материалы и нюансы

В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма», стал одним из ведущих представителей регионализма и придерживался «левых» взглядов.Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками, отображающими разные этапы и события в жизни страны.

Обратите внимание

Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш), но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии гомосексуалистов в художественном мире.

После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность, Бентон продолжал писать фрески,работал активно еще около 30 лет, но не имел уже былой популярности.

Джон Стюарт Кэрри (1897-1946) родился на ферме в штате Канзас, ухаживал за животными, увлекался легкой атлетикой, с детства был окружен репродукциями картин Рубенса и Доре, которые сыграли свою роль в последующем выборе им художественного стиля.

Джон учился в Институте искусств Чикаго, работал иллюстратором в журналах, провел год в Париже, изучая работы Курбе, Домье, Тициана и Рубенса.

Вернувшись в США некоторое время работал в своей мастерской, путешествовал с цирком, был назначен первым художником в Университет Висконсин-Мэдисон, ездил по стране для содействия развитию искусства в фермерских общинах.Он выполнял роспись для Департамента юстиции в Вашингтоне и для Капитолия в Канзасе.

Кэрри был одним из трех (Бентон и Вуд) столпов американского регионализма, который был особенно актуален в годы Великой депрессии.Он изображал сцены труда, семьи и земли, борьбы со стихийными бедствиями, чтобы продемонстрировать миру настойчивость, работоспособность и веру людей, что Кэрри считал сутью американской жизни.

Если честно, меня не очень вдохновляют художники-реалисты вообще, с некоторым интересом я отношусь к творчеству только отдельных представителей магического реализма (Кадмус, Блуме, Хоппер), но в целом мне этот период в американском искусстве не близок, что поделать.

Следующая и последняя часть будет посвящена современному американскому искусству. Окончание следует… Как всегда, слайдшоу, в котором гораздо больше картин и хорошая музыка:

* Магический реализм — Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма.

Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей, реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинаторный бред.

**Прецизионизм, или пресижинизм (англ. precision — точность, чёткость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, Главная тема — механистическая эстетика, пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нём нет человека.
***Риджионализм или регионализм (от англ. regional – местный) — художественное направление в искусстве США 1920-1940 годов, в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной самобытности, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.

Ссылки: http://www.izostili.ru/index.php

http://en.wikipedia.org/wiki/Armory_Show
http://www.darkgrot.ru/cult/zhivopisy/article/643/
http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page
http://www.nbmaa.org/index.php?option=com_content&task=view&id=111

Источник: https://vanatik05.livejournal.com/3591.html

Проблемы традиций и новаторства в изобразительном искусстве

Халилов Р. Ш. Проблемы традиций и новаторства в изобразительном искусстве // Молодой ученый. — 2016. — №2. — С. 1060-1062. — URL https://moluch.ru/archive/106/25310/ (дата обращения: 05.03.2019).

В изобразительном искусстве, как у всякого диалектически развивающегося процесса, имеются устойчивая, трансформируемая и новаторская стороны. В так называемых традиционных обществах, люди, усваивая искусство, воспроизводят ее образцы, а если и вносят какие-либо изменения, то в рамках традиции. На ее основе происходит функционирование культуры. Традиция превалирует над творчеством.

Творчество в этом случае проявляется в том, что человек формирует себя как субъекта культуры, которая выступает как некий набор готовых, стереотипных программ (обычаев, ритуалов и т.п.

) деятельности с материальными и идеальными объектами. Изменения же в самих программах происходят крайне медленно.

Такая устойчивая традиция в искусстве в определенных условиях необходима для выживания человеческих коллективов.

Важно

Но если те или иные общества отказываются от гипертрофированной традиционности, и развивают более динамические типы искусства, это не значит, что они могут отказаться от традиций в изобразительном искусстве вообще. Не может искусство существовать без традиций.

Традиции в искусстве как историческая память — непременное условие не только существования, но и развития всего искусства, культуры даже в случае созидательных качествах новой культуры, диалектически отрицая, включает в себя преемственность, усвоение положительных результатов предшествующей деятельности — это общий закон развития, который действует в сфере культуры, имея особо важное значение. Поскольку в изобразительном искусстве отражаются различия мировоззрений в системе ценностей в идейных установках, поэтому правомерно говорить о реакционных и прогрессивных тенденциях в искусстве.

Но отсюда не следует, что можно отбрасывать предшествующее искусство — на пустом месте создать новое, более высокое искусство невозможно.

Вопрос о традициях в искусстве и об отношении к культурному наследию касается не только сохранения, но и развития искусства и культуры, т. е. созидание нового, приращение культурного богатства в процессе творчества.

Хотя творческий процесс имеет объективные предпосылки и в самой реальности и в культурном наследии, непосредственно он осуществляется субъектом творческой деятельности. Сразу же следует оговорить, что не всякое новаторство в изобразительном искусстве — творчество культуры.

Создание нового становиться одновременно творчеством культурных ценностей тогда, когда оно не несет в себе всеобщее содержание, приобретая общую значимость, получает отзвук от других людей.

Но также как не всякое новаторство в искусстве есть явление культуры вообще, не все новое, включающееся в культурный процесс, является передовым, прогрессивным, отвечающим гуманистическим интенциям культуры. В искусстве существуют и прогрессивные, и реакционные тенденции.

Совет

Развитие изобразительного искусства — противоречивый процесс, в котором отражается широкий спектр подчас противоположных и противоборствующих социально классовых, национальных интересов данной исторической эпохи. За утверждение передового и прогрессивного в искусстве надо бороться. В то время как традиционное искусство всегда находит своих сторонников и почитателей.

Ярким примером вышесказанным фразам могут послужить сохранение традиций в современном изобразительном искусстве.

Рассмотрим их на примере живописи Узбекистана. Таково творчество художника Алишера Мирзаева (род.1948г.). Его картины носят ярко выраженный экспрессивный характер, как в традиционной вышивке («Свидание на красном мосту» (1986), «Красные тополя», «Домик в горах”(1997), «Утро в Хумсане» (1997),).

Цвет в них насыщенный, контрастный, открытый, что приближает их к ярким колористическим решениям национально-декоративного искусства. Художник не боится экспериментов, несмотря на некоторую композиционную перегруженность картин, тем не менее, они заряжены положительной энергетикой.

Как и оптимистично, по настроению народное искусство Узбекистана, так и пейзажи мастера обладают способностью стимулировать творческий потенциал зрителя.

Пейзажные фоны, отличающиеся сияющей чистотой красок и «ковровой» плоскостностью композиций, навевают представление о природе как замкнутом волшебном саде, каждая деталь которого исполнена поэтической прелести.

Большой эмоциональной силы достигают ландшафтные детали. Между тем опыт А. Мирзаева показывает, что, несмотря на откровенную колористическую трансформацию, мастеру удаётся сохранить жанровые традиции. Продолжение этой линии в живописи Узбекистана можно увидеть в творчестве Рахмона Шодыева (род.1953г.

), в произведениях которого связь с народным искусством проявляется не только в колористической концепции. В его картинах “Осенний Сукок”, “Неоконченное время”, “Реквием” присутствуют черты народного восприятия мира как единого ритма и цикла, что выражает философскую идею единства всего сущего на земле. (1.с.

134).

Рис. 1. А. Мирзаев. «Свидание на красном мосту». 1986 г.

Рис. 2. А. Мирзаев «Красная гора» 1996г.

Как показывает наше исследование устойчивая сторона изобразительного искусства — это мировая культурная и национальная традиции, благодаря которой происходит накопление и трансляция человеческого опыта в истории, и каждое новое поколение людей может актуализировать этот опыт, опираясь в своей деятельности на созданное предшествующими поколениями.

Рис. 3. Р. Шадыев «Осень».1996г.

Литература:

  1.                Н. Ахмедова “Живопись Центральной Азии ХХ века: традиции, самобытность, диалог” Т.2004

Основные термины (генерируются автоматически): изобразительное искусство, искусство, красный мост, культурное наследие, живопись Узбекистана, традиция.

Основные термины (генерируются автоматически): век, время, изобразительное искусство, искусство, искусство Узбекистана, монументальная живопись

преемственность, изобразительное искусство, национальные традиции, наскальные росписи, зороастризм…

В современном изобразительном искусстве Узбекистана тоже наступил период, когда в творчестве многих художников холсты написаны именно в коммерческих

Обратите внимание
Совет

В её творческих исканиях переплелись традиции национального искусства и европейской живописи.

[/su_box]

Живопись Тимуридов была верна вековым традициям изобразительного искусства Среднего Востока и являла собой синтез приемов отдельных его школ.

Применение архитектурного декора и художественной пластики в средневековой архитектуре Узбекистана и её место в…

Музей искусств Узбекистана, который расположен в городе Ташкенте, считается одним из крупных музеев Центральной Азии.

Здесь собраны предметы изобразительного искусства, уникальные скульптуры из глины

Роспись выполнена черным и красным ангобом» [1, c. 15].

Так например авангард в изобразительном искусстве Узбекистана — это культурный пласт, охватывающий множество понятий: экспрессионизм, кубизм, футуризм. Именно в этих традициях были написаны большинство пейзажей в 20–30 годах ХХ века.

Архитектурный декор — искусство глубоко традиционное: оно

В художественном наследии восточной античности и средневековья именно эти черты

2. Султанова Д. Н. Принципы синтеза настенной живописи в архитектуре Узбекистана (пути формирования и развития).

Важно
Обратите внимание

Среди художников внесших огромный вклад в развитие изобразительного искусства Узбекистана является талантливый живописец

[/su_box]

Художник оставил обширное наследие в виде станковой живописи, это уникальные настенные росписи выполненные в разные годы на…

Новый стиль распространился на все виды художественного творчества, включая архитектуру, изобразительные и прикладные искусства.

Возникновение и взаимосвязь монументальной живописи в традиционной архитектуре Средней Азии.

Так, культурное наследие Китая является средоточием его художественных традиций и одновременно источником формирования принципиально новых видов искусств.

Развитие живописи Узбекистана в период независимости.

Основные термины (генерируются автоматически): век, время, изобразительное искусство, искусство, искусство Узбекистана, монументальная живопись

преемственность, изобразительное искусство, национальные традиции, наскальные росписи, зороастризм…

В современном изобразительном искусстве Узбекистана тоже наступил период, когда в творчестве многих художников холсты написаны именно в коммерческих

Обратите внимание
Совет

В её творческих исканиях переплелись традиции национального искусства и европейской живописи.

[/su_box]

Живопись Тимуридов была верна вековым традициям изобразительного искусства Среднего Востока и являла собой синтез приемов отдельных его школ.

Применение архитектурного декора и художественной пластики в средневековой архитектуре Узбекистана и её место в…

Музей искусств Узбекистана, который расположен в городе Ташкенте, считается одним из крупных музеев Центральной Азии.

Здесь собраны предметы изобразительного искусства, уникальные скульптуры из глины

Роспись выполнена черным и красным ангобом» [1, c. 15].

Так например авангард в изобразительном искусстве Узбекистана — это культурный пласт, охватывающий множество понятий: экспрессионизм, кубизм, футуризм. Именно в этих традициях были написаны большинство пейзажей в 20–30 годах ХХ века.

Архитектурный декор — искусство глубоко традиционное: оно

В художественном наследии восточной античности и средневековья именно эти черты

2. Султанова Д. Н. Принципы синтеза настенной живописи в архитектуре Узбекистана (пути формирования и развития).

Важно
Обратите внимание

Среди художников внесших огромный вклад в развитие изобразительного искусства Узбекистана является талантливый живописец

[/su_box]

Художник оставил обширное наследие в виде станковой живописи, это уникальные настенные росписи выполненные в разные годы на…

Новый стиль распространился на все виды художественного творчества, включая архитектуру, изобразительные и прикладные искусства.

Возникновение и взаимосвязь монументальной живописи в традиционной архитектуре Средней Азии.

Так, культурное наследие Китая является средоточием его художественных традиций и одновременно источником формирования принципиально новых видов искусств.

Развитие живописи Узбекистана в период независимости.

Источник: https://moluch.ru/archive/106/25310/

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector